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THE LIBERATION OF THE GOTHIC

Florid polyphony by Thomas Ashwell and John Browne


JOHN BROWNE (fl.c. 1480 - 1505)
01 Salve Regina

THOMAS ASHWELL (c. 1478-c. 1527)
Missa Ave Maria
02 Gloria
03 Credo
04 Sanctus
05 Agnus Dei

JOHN BROWNE
06 Stabat Mater

directed by Björn Schmelzer
Voices: Anne-Kathryn Olsen, Carine Tinney, Razek-François Bitar, Tomàs Maxé, Albert Riera, Andrés Miravete, Marius Peterson, Arnout Malfliet
Recorded in Beaufays (Eglise Saint-Jean L'évangeliste)
on 9-12 October 2017
Engineered by Alexandre Fostier
Recording supervised by Eugénie De Mey
Editing: Alexandre Fostier and Björn Schmelzer
Liberation of the Gothic



Y DISCO EXCEPCIONAL
Se pierde la cuenta del número de discos que Graindelavoix dispara. Lo bueno de formar un grupo estable, con poca variación de componentes, director visionario, atrabiliario y proletario en su oficio y obsesión (la polifonía), y contar con apoyos institucionales es que, al final, casi a primera vista sale una lectura honrosa. Y como, además, hay ensayos, encuentros, stages, seminarios... con todo el grupo implicado, las interpretaciones son catedralicias, ápices. Hacer las cosas de manera tan fácil sabemos el trabajo ciclópeo que suele llevar detrás. En dos proposiciones resumimos este disco: ocho cantores (dos sopranos, dos altos, tres tenores, un bajo), y ochenta minutos de música. De Música. Se convocan tres creaciones, dos inmensos motetes de John Browne (c. 1480-1505), de casi veinte minutos de duración cada uno, y la Missa Ave Maria de Thomas Ashwell (c. 1478-c. 1527), a seis voces, la protagonista. Todo bajo un título y un subtítulo para pensar: “La liberación del Gótico. Polifonía florida. Cantar a la Virgen ‘a la inglesa’”. Nada inmediato, desde luego, pero para eso está el nuevo ensayo de Schmelzer, cinco páginas redactadas con más piedad que en otras ocasiones, para probarnos, para que veamos si sabemos de qué tenemos que liberarnos. Toma ya. El programa, como siempre, es para no iniciados. Su ejecución, para todos los públicos, cuanto menos prejuiciados, mejor. Cierto es que después de su degustación completa salimos con un saber que desconocíamos que existiera. Ahítos, pero con más hambre.
Estos polifonistas ingleses del gozne entre los siglos XV y XVI llevaron las disminuciones, los artificios polifónicos todos, y son muchos, al extremo, y corresponde esta arquitectura musical a la de los espacios contemporáneos donde sonó. En ambas se disipan las raíces de la forma siguiendo modelos fractales, descomponiéndola hasta que se licúa su origen, sea en forma de moldura o de semimínima. En este caso, la segunda parte de las notas del director permiten un seguimiento de la audición más lineal que en otras ocasiones, novedad que conviene no perdérsela para aumentar su disfrute.
Dice Schmelzer que la misa de Ashwell, escrita para el día de la Anunciación, hace bueno eso de que la Virgen concibió per aurem, por el oído. Los artistas flamencos e italianos pintaron y esculpieron el famoso pasaje. No era fácil traducir la idea en términos plásticos. Los ingleses, por su parte, le compusieron música, y estas versiones ‘psicoacústicas’ se entienden mejor que lo que hicieron los pinceles. A fin de cuentas, frente a las dos dimensiones del lienzo o tabla o las tres de la escultura, la música suma, al menos, una cuarta, nos rodea, envuelve, y nos sentimos in utero suo. En este caso la maravilla de Ashwell ocurre en forma de cuatro movimientos del Propio (Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei). El Kyrie, por cierto, que se hacía en canto llano o se improvisaba su polifonía (no se escribía, por tanto), se sirve en las versiones en línea y en la descarga, no en el CD. No cabía. Lástima.
Sin renunciar a sus emisiones nasales ni a su pulsión textural, es un Graindelavoix más ortodoxo que en otras entregas. No hay salvajismo ni conscientes transgresiones. Sí una voz aguda femenina que levita sobre una masa homofónica masculina (ay, ese Sanctus) y nos hace elevarnos también, hasta temblar con las (en este caso) escritas disonancias. Quiere uno pensar que ojalá esta reivindicación mariana, cuando María representaba a todas las mujeres, también sea metáfora y preludio de algo. De algo que se hace carne sonora, y perdón por el oxímoron, quinientos años después de ser escrito. Pongan almohadas en el techo antes de pulsar el play. Queda aquí el aviso.
Josemi Lorenzo Arribas (Scherzo, November 2018)

Y TYPISCH ENGLISH
Eine Graindelavoix-Platte, die interessant und zugänglich gleichermaßen ist. Das Ensemble balanciert gekonnt auf dem schmalen Grat zwischen Spezialität und allgemeiner Schönheit.
Björn Schmelzer und sein Ensemble Graindelavoix stellen auf ihrer neuen Platte zwei englische Komponisten in den Mittelpunkt, die ebendort seltener als andere zu finden sind: Thomas Ashwell (um 1478 – um 1527) und John Browne (um 1480 – 1505), zwei zentrale Figuren der frühen Renaissance, deren Musik nicht unbedingt umfangreich rezipiert wird. Browne begegnet man immerhin gelegentlich dank seiner vernehmlichen Präsenz im Eton Choir Book. Hier ist er mit zwei ausgreifenden Sätzen vertreten, die jeweils knapp zwanzig Minuten umfassen: Einem 'Salve Regina' und einem 'Stabat mater'. Dazu erklingt die fabelhafte Missa Ave Maria von Ashwell. Allesamt sind das typische Sätze jener Zeit – geprägt von dichtem Kontrapunkt und einem stark konstruktiven Zug; ein Satz mit weitem Klangumfang, mit oft sehr tiefem Bass und außergewöhnlich hohem Treble, dazu einer Fülle charakteristischer Querstände, die in dieser Intensität außerhalb der englischen Renaissance kaum je zu hören sind.
Björn Schmelzer – seine musikalischen Konzepte durchdacht zu nennen, wäre eine maßlose Untertreibung – findet in diesem englischen Programm zu einer stimmigen und nachvollziehbaren gedanklichen Verankerung, indem er das musikalische Geschehen in fruchtbare Beziehungen zur Architektur der Lady Chapel der Kathedrale von Ely und der sich damit verbindenden marianischen Frömmigkeit setzt.
Auch der Gesang des ansonsten sehr auf einen individuellen Zugang abseits des üblichen professionellen Wohlklangs orientierten Formation Graindelavoix wirkt hier etwas herkömmlicher: Natürlich sind auch hier Verschleifungen und lineare Accessoires zu hören, die für das Ensemble typisch sind, aber doch nicht überbordend und nachvollziehbarer im Sinne einer subtilen Deutung. Damit ist die Formation zweierlei: gewohnt explorativ und intellektuell ambitioniert einerseits. Und phasenweise einfach ein exzellentes Ensemble, dem ein interpretatorischer Ansatz im Rahmen des eher Üblichen auch zur Verfügung steht.
Natürlich kosten die Vokalisten die vielen Querstände geradezu lustvoll aus, gewinnen ihnen mehr Potenzial ab als andere Interpretationen. Doch dosieren sie die üblichen Explikationen zurückhaltender. Die Einzelstimmen sind von klarem Charakter, der Zusammenklang ist unverwechselbar; beispielhaft steht Arnout Malfliet, der ein herausragender elegisch-düsterer Bass ist.
Natürlich ist die Intonation ungemein vielfarbig, durchaus erstklassig im herkömmlichen Sinne, dazu mit all den Spezialitäten einer besonderen Sphäre. Schmelzer lässt das Gewebe sehr verhalten fließen, oft gar dezidiert langsam. Die Vokalisten begreifen die Musik in ihrer architektonischen Größe – ausgreifend, strukturklar, mit himmelwärts strebender Größe, dabei filigran und leicht. Das Klangbild ist klar, von feiner Räumlichkeit, elegant und lebendig, präzis und stimmungsvoll.
Eine Graindelavoix-Platte, die interessant und zugänglich gleichermaßen ist. Das Ensemble balanciert gekonnt auf dem schmalen Grat zwischen Spezialität und allgemeiner Schönheit. Interpretation **** Klangqualität: ***** Repertoirewert: **** Booklet: ****
Matthias Lange (Klassik.com, October 2018)

Y Björn Schmelzer is clearly a polymath: an anthropologist, a musicologist and – on this evidence – a conductor blessed with unbridled curiosity and adventure. As director of the Antwerp-based group Graindelavoix, he has overseen a fascinating series of recordings on the Glossa label over the last dozen years, often triggered by his extra-musical leanings. The starting point for the present disc was a short documentary, made by the historian Paul Binski, about the decorative architecture that has survived in the remarkable 14th century Lady Chapel at Ely Cathedral in Cambridgeshire. Much of the ornate artwork created there, depicting the life and miracles of the Virgin Mary, was regarded as anathema during the Reformation and consequently destroyed. The exotic ornamentation of the architecture that surrounded and housed it survives, however, in particular the serpentine ogee arches which were quite unlike anything seen in England at the time they appeared in the early 1300s. Binski hypothesises that this style of architecture and the textures omnipresent in its background hint at the personification of the Virgin, and may have reflected a deliberate (or otherwise) attempt to project her corporeal femininity to pilgrims, forged as it was in the decorative style that perhaps foreshadows the dense, intricate polyphony that would be woven by English composers over the next 200 years.
Some may find such links speculative at best and futile at worst. Regardless of this, it is surely gratifying that the wonderful music that emerged in England during this period is now being taken up by some brilliant choirs outside the UK. Scott Metcalfe’s magnificent Blue Heron group from Boston, MA have recorded five volumes of material from the so-called Peterhouse Partbooks (four of them reviewed here, the fifth recently won the Gramophone’s 2018 Early Music award). Now this excellent Antwerp-based group have recorded music from the Eton Choirbook by John Browne, and a large mass by the virtually forgotten Thomas Ashwell. In fact, these two works by Browne have been recorded before. Both were laid down by the Tallis Scholars for a terrific Gimell release in 2004 (review), while the Stabat Mater features on an Eton Choirbook recital by Tonus Peregrinus on Naxos (review). As for Ashwell, most sources state that manuscripts of his two complete masses survived the Reformation. One, the Missa Jesu Christe (for 6 voices) was recorded by Christ Church Cathedral Choir under Stephen Darlington for Metronome (review). The Missa Ave Maria featured on a 2008 Harmonia Mundi disc La Quinta Essentia along with masses by Palestrina and Lassus (HM 901922). It was performed by the Huelgas Ensemble under Paul Van Nevel.
The accounts of the two Browne motets on this recording sound very different from those mentioned above. I do not think it is stretching the imagination to suggest that the innocent ear might struggle to recognise the music on this issue as English. One observation is that the idea of continental groups recording English polyphony is still relatively new, but Graindelavoix take this a stage further. In the Salve Regina their eight voices produce a gloriously full sound, apt for a piece which projects wave upon wave of melody. This is a spacious, lingering reading, noticeably slower than the Tallis Scholars’ account. Much more apparent, however, is the ornate, quasi-improvisational decoration that Schmelzer coaxes from his singers, intervals are bent, stretched and turned into an almost tangible connecting fabric. Those listeners who are steeped in the English Cathedral tradition may find it disconcerting but I found these adornments to be far from vulgar; they certainly seem to add something to the music. The Tallis Scholars may project the essential clarity of Browne’s flowing lines better, but both approaches convincingly draw out his seemingly infinite melodic gifts in their own ways. At times the tone of the middle voices tends toward a Gallic, rather nasal sound. I do not state this pejoratively, it is merely an observation. I do think the central section of this Salve Regina sounds a bit laboured compared to the Tallis Scholars’ more propulsive, driven account. Notwithstanding this impression, Graindelavoix’s sound is unquestionably beautiful, the recording is full and spacious. I commend it as a credible alternative to what might one expect from an English choir.
Turning to the Stabat Mater, in comparison to the Tallis Scholars’ efforts this performance certainly sounds more exotic, even perfumed, and I certainly found it seductive. Again, one unfamiliar with the work would struggle, I think, to place it as English late-Gothic. This account seems more expansive, enabling Schmelzer to create the space for some of Browne’s extraordinary dissonances to register more emphatically. The style encountered in this choir’s Salve Regina applies here too. As an approach it may seem provocative to some, but I find it most alluring, and by presenting the music in this way Schmelzer certainly adds credence to some of Paul Binski’s theories, and specifically how they might apply to pre-Reformation English cathedral music. While I found it somewhat revelatory to hear Browne sung like this, the Tallis Scholars’ reading is absolutely timeless and arguably speaks more directly (and chastely) to my English sensibilities. The Scholars are also superbly recorded in their usual Salle bolthole in deepest Norfolk. Anthony Pitts’s Naxos recording with Tonus Peregrinus also features some fine singing in perhaps more intimate sound, but good though their performance is, it ultimately feels just a little earthbound compared to the two other accounts under consideration here.
Little is known of Thomas Ashwell. Many texts seem to posit the idea that he was John Taverner’s teacher, but my (admittedly limited) research on the matter seems only to point to the pair of them being at Tattershall College in Lincolnshire contemporaneously. Musically speaking we know that both of Ashwell’s masses appear in the Forrest-Heyther partbooks used by Taverner during his time as Head of Music at Cardinal College, Oxford in 1526. The first layer of these contain just three masses: the two by Ashwell plus Taverner’s own superb Missa Gloria Tibi Trinitas which shares many formal and stylistic traits with the Missa Ave Maria recorded here. Which of these came first continues to be a matter of conjecture.
I had never heard either of Ashwell’s masses before embarking on this review. Given Schmelzer’s novel approach to Browne I thought it might be useful to hear van Nevel’s Harmonia Mundi recording of the Missa Ave Maria for comparison purposes, so I streamed it. Hearing either account leaves one in little doubt that this four-movement work is very fine indeed. The booklet with the new disc includes a detailed, scholarly and utterly readable essay by Björn Schmelzer which contextualises all the pieces on the disc, and justifies his artistic decisions, but at its heart is a detailed and personal analysis of this Ashwell mass.
The piece begins with the Gloria – Schmelzer reminds us that the Kyrie in a mass of this era was likely to have been presented simply as plainchant – and what we hear at its outset suggests something rather austere, before Graindelavoix’s more decorative approach kicks in. At the phrase Qui tollis peccata mundi the melodic lines in the high voices are sustained. They emerge delightfully and canonically from each other. The sopranos in this choir sound beatifically ethereal, while the ambience and depth of the recording suggests a larger group than the eight voices of Graindelavoix. Any decoration here is also seemingly incorporated with greater subtlety than in the Browne works. In terms of pacing the Gloria is perhaps more measured and stately than one’s actual perception. Indeed, Schmelzer takes ten minutes longer for the whole mass than Van Nevel does in his recording.
The Credo seems to be centred on the mid-range voices. By now it struck this listener at least that where melody was of prime importance for Browne, colour and texture – the weave of the work – is Ashwell’s main preoccupation. Notwithstanding Schmelzer’s always tasteful interventions, the Ashwell emerges as a more unequivocally English work than did the Browne motets. This perception is echoed in the Huelgas Ensemble’s leaner, swifter, more strait-laced reading. The Sanctus on the new disc is especially beautiful, the sustained lines of melody floated with light and air. Schmelzer’s more measured pace enables the power of the choir to be withheld at points and more gradually released, which only intensifies the experience for the listener.
Schmelzer justifies the especially slow pace of the Agnus Dei in order better to realise the flexible physical characteristics of the panel as an attempt in his words “to embody the liquid feeling associated with mysticism”. I think he is successful; the sense of repose conveyed by the members of Graindelavoix is palpable and wonderfully sustained. If the Van Nevel performance is perhaps a little more sober (it is certainly more fleet of foot), I do think the beauties of this piece emerge far more colourfully in Schmelzer’s reading. Other listeners may disagree; irrespective of this, Ashwell’s Missa Ave Maria strikes me as a major find. The singing of Graindelavoix is as effortlessly accomplished as the recording is atmospheric. Schmelzer’s engaging and learned essay completes a thoroughly thought-provoking, beautifully packaged release.
Richard Hanlon (Musikweb International, October 2018)

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Y CD DES MONATS
DIE BEFREIUNG DER GOTIK
Ein weiteres Stabat Mater liefern uns das Ensemble Graindelavoix und Björn Schmelzer auf ihrer neuen CD „The Liberation oft he Gothic“. Komponiert hat es John Browne (c1480-1505), wie auch das Salve Regina, welches Björn Schmelzer sehr schätzt: „Das Salve Regina ist möglicherweise eine der schönsten Vertonungen dieses Textes überhaupt, wie ich zu behaupten wage, wenn auch zusammen mit den beiden ungefähr gleichzeitig entstandenen Versionen von Jacob Obrecht.“
John Brownes Stabat Mater und Salve Regina flankieren die Missa Ave Maria (Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei) von Thomas Ashwell (c1478-c1527), rahmen sie sozusagen als Alpha und Omega ein. Björn Schmelzer schätzt diese Missa als „altemberaubend“ ein und nennt sie eine „der aufregendsten Meilensteine der Polyphonie“. Ich teile diese Einschätzung übrigens.
Ashwell war Chorknabe an der St George’s Chapel in Windsor Castle, Sänger am Tattershall College in Lincolnshire, 1508 choirmaster an der Kathedrale von Lincoln und 1513 an der Kathedrale von Durham. Die sechsstimmige Messe mit „extrem komplexen und filigranen Kontrapunkt“ und „hochmelodischen Bewegung“ lässt eine „schwindelerregende Erfahrung von Bewegung und Gegenbewegung“ entstehen, „als sei alles im Fluss“. The Liberation of the Gothic ist also keineswegs dem Onlinespiel World of Gothic oder der Gothic-Bewegung zuzuordnen, oder gar der Befreiung von Gothic City (der Spitznamen New Yorks) von Batman. Nein, Spaß beiseite, es geht um viel mehr!
Björn Schmelzer wirft hierzu im Booklett viele Fragen auf; er wäre nicht er, wenn er dies nicht täte. Er erläutert zunächst die Sprengung der architektonischen Formen in der Lady Chapel der Kathedrale von Ely, der „Quintessenz des englischen Decorated Style“ und der „erotischen, geschwungen, kurvigen Linien, die Kielbögen bilden, die die Skulpturen der Szenen mit Marienwundern begleiten“. Björn Schmelzer sieht darin die mediävale Mehrdeutigkeit, die Schaffung homonymer Räumlichkeit innerhalb der Architektur, die sich dann in mehrdeutiger Hörbarkeit innerhalb der Musik wiederfindet.
„Die gotische Architektur – in ihrer Eigenschaft als eine der mächtigsten Maschinen des Wunderbaren – trug zur Artikulation dieses spekulativen Denkens ebenso bei wie die Musik. Auf diese Weise wurde dem fest gefügten patriarchalischen System des abendländischen Christentums ein wichtiger Bruch zugefügt, der sich ein Jahrhundert zuvor schon durch die Literatur der Mystikerinnen und durch Frauenbewegungen wie die der Beginen angekündigt hatte“. Die Erfahrbarkeit des Mysteriums der Weiblichkeit in der Architektur und Musik?“ Man lauscht Interpretationen von Graindelavoix nicht einfach so, obwohl alle Interpretationen dieser Gruppe alle Eigenschaften besitzen, welche ein wohliges Zurücklehnen und Zuhören anböten. Die wahre Sprengkraft dieser Interpretationen erschließt sich erst, nachdem man sich mit der Gedankenwelt Björn Schmelzers eingehend befasst hat. Und dann erkennt man. So auch hier.
Vordergründig ist dies hier großartige Musik, großartig komponiert, großartig interpretiert. Und doch ist es weit mehr. Björn Schmelzers Graindelavoix stößt eine Tür auf, zeigt die Genesis im Moment ihres Entstehens, die Befreiung der Gotik. Man erahnt, was damals die Intellektuellen bewegte, welche festen Formen und monumentalen Mächte gesprengt wurden, wie radikal und beängstigend diese Befreiung war. Nicht nur Struktur und Ornament wurden hier in der Spätgotik befreit – es war vor allem der Geist und mit ihm die Empfindsamkeit. Und man erkennt plötzlich, wie auch Thomas Ashwell die Fesseln sprengt, die Soprane in höchste Höhen und die Bässe in tiefste Tiefen führt. Graindelavoix gestaltet dies souverän, innig, melodiös und mit entwaffnender Leichtigkeit.Welch eine Einspielung!
Robert Strobl (Toccata Magazine, November 2018)

Y ÜBERRAGEND
Zunächst hört man nur etwas verhallte Stimmen in angenehm ruhigem Zusammenklang. Und so bleibt es auch. Dies ist die perfekte Musik, um nicht nur ein bisschen zu entspannen, sondern um ganz runterzukommen und womöglich gar nicht mehr ganz zurück in die Banalität des Alltags zu finden. Und so war diese Musik auch gedacht. Sie sollte nicht nur Gott preisen, sondern den Menschen über sich selbst erheben. Näher bei Gott, aber vor allem: entfernt von aller Alltäglichkeit.
"The Liberation Of The Gothic" (Note 1 Music) nennt Ensemble-Chef Björn Schmelzer das neue, überragende Album seiner Gesangsgruppe Graindelavoix. Es ist eines der besten unter den bislang schon ziemlich guten dieser Formation. Und der Titel ist sogar untertrieben. Denn Schmelzer und seine Sänger befreien nicht nur die Gotik von ihrem Image als teils sehr ehrwürdige Baukunst, teils als stilistischer Ausrutscher des 19. Jahrhunderts, gerade in England. Von dort stammen die beiden Komponisten, deren aufblühende Vokalpolyphonie hier gefeiert wird: John Browne (ca.1480 bis 1505) und Thomas Ashwell (ca.1478 bis ca.1527), beide nicht eben populär. Das könnte sich nun ändern, denn so, wie Graindelavoix das "Salve Regina" von Browne sowie die "Missa Ave Maria" aufführen, hat man diese Musik noch nicht gehört.
Graindelavoix ist das derzeit mit Abstand beste Ensemble für die Musik des Spätmittelalters und der Renaissance. Wenn man bislang andere von dieser grandiosen Musik überzeugen wollte, war man auf wenige Aufnahmen englischer Kathedralchöre angewiesen sowie einiger Highlights deutscher Knabenchöre, insbesondere die Schütz- und Lasso-Aufnahmen des Tölzer Knabenchors. Alle Übrige kann man in der Regel vernachlässigen. Entweder hört man staubtrockene Protestantenchöre oder Kirchenchöre, die den Eindruck erwecken, man habe damals eine sinnenfeindliche Verkniffenheit zum Kunstideal erhoben. Dabei ging es doch gerade darum, unter dem Vorwand der Gottesverherrlichung alles an Pracht und Sinneslust auszuleben, was im harten Alltag keinen Platz hatte. Graindelavoix ist ein - historisch nicht ganz korrekter - gemischter Chor, oder besser: ein Solistenensemble, das auf die individuelle Ausprägung des Stimmklangs sowie, wichtiger noch, der subjektiven Gestaltung des Klanges und des musikalischen Verlaufs setzt. Subjektiv heißt dabei nicht nach beliebigem Gusto, sondern auf der Grundlage maximaler Informiertheit und technischer Fähigkeiten.
Graindelavoix-Chef Schmelzer hat zudem mit Margarida Garcia den Band "Time Regained - A Warburg Atlas for Early Music" (Verlag MER Paper Kunsthalle, 2 Bde., 528 Seiten) herausgebracht. Darin geht es um den Zusammenhang von Zeichenhaftem und Plastischem, um das plastische Potenzial der Vergangenheit, wie es der Musikwissenschaftler Rudolf von Ficker schon in den Dreißigern beschworen hat.
Schmelzer sucht die Verbindung von Musikforschung und lebendiger Praxis, so wie er für den Klang der Alten Musik ganz neue Quellen erschlossen hat. Zum Beispiel süditalienischen Volksgesang. Was da an Akzentuierung, Verschleifung, Stimmstruktur üblich ist, lässt sich sehr gut für die Verräumlichung der spätmittelalterlichen Gesänge nutzen. Für uninformierte Ohren klingt das manchmal etwas schräg, aber es sind, ähnlich den Blue Notes im Jazz, gewollte intonatorische Querstände, die verlebendigen. In der vom italienischen Volksgesang geliehenen Lebendigkeit und Schlichtheit liegt ungeheure Tiefe. Die feierliche Musik von Browne und Ashwell wird zu einer Symbiose aus persönlicher Nähe und dem fatalistischen Ernst des memento mori - der Tod war allseits präsent. Die hochartifiziellen Kompositionen sind jetzt nicht mehr nur Anbetung und Verklärung, sondern schaffen einen ungleich größeren Seelenraum. Schmelzer zitiert den englischen Kritiker Walter Pater mit der These, alle Kunst strebe nach den Bedingungen der Musik. Beim Hören dieser CD kommt einem keine Gegenthese in den Sinn.
Helmut Mauro (Süddeutsche Zeitung, September 2018)

Y Mededogen is een woord dat in je opkomt bij het luisteren naar deze laatste nieuwe van Graindelavoix. Het begin alleen al: een Salve Regina vol overgave en breekbare menselijkheid, rauwe schoonheid en goddelijk ontzag. Het lijkt wel alsof Graindelavoix bij elke nieuwe opname organischer, vrijer en overtuigender klinkt. Alsof elke stem in deze groep zijn plek gevonden heeft, van waaruit het spel van schuren en versmelten op z'n allerbest klinkt. Deze keer putten Björn Schmelzer en zijn zangers uit de rijkelijke Engelse polyfonie van rond 1500. Maria staat centraal in een poging om zich los te zingen uit het patriarchale web waarin ze gevangen zit. Wat opvalt is de enorme artistieke vrijheid die Schmelzer weet te vinden in het schijnbaar strakke stramien van deze composities. Stemmen krijgen vleugels, en de verbeelding ook. God in je koptelefoon - zelfs als hij niet bestaat. Of beter nog: Maria. Aph (De Standaard, October 2018)

Y GRAINDELAVOIX' GOTHIC PERSPECTIVE ON MUSIC
Tomorrow the Spanish Glossa label will release its latest recording of the a cappella choir Graindelavoix, led by Director Björn Schmelzer. I first encountered this ensemble in May of 2016, not too long before Examiner.com lapsed into its extinction. On that occasion I was writing about the group’s recording of the earliest known complete setting of the Ordinary of the Mass attributable to a single composer. The composer was Guillaume de Machaut, and the setting is known as the Messe de Nostre Dame.
The title of the new album is The Liberation of the Gothic, and it involves a period that is roughly 150 years later than the time when it is believed that Machaut composed his Mass setting. During the period between these two recordings, Graindelavoix has undergone some changes. The Machaut setting was sung by a ten-member all-male choir. On The Liberation of the Gothic there are only eight vocalists, including two women in the soprano range: Anne-Kathryn Olsen and Carine Tinney. The male vocalists are altos Razek-François Bitar and Tomàs Maxé, tenors Albert Riera, Andrés Miravete, and Marius Peterson, and bass Arnout Malfliet. The central selection is another Mass setting, the Missa Ave Maria by Thomas Ashwell, flanked on either side by Marian hymn settings composed by John Browne, beginning with a “Salve regina” and concluding with a “Stabat mater.”
As always, for those who cannot wait until tomorrow, Amazon.com is processing pre-orders for this CD. However, it is worth noting that, on the same date, an MP3 download page will also be enabled. I mention this because the download version includes a “bonus track,” “Rex virginum amator,” a polyphonic setting of a Kyrie chant taken from the Las Huelgas Codex, a manuscript that probably predates Machaut’s Mass setting by about half a century. (Schmelzer included a Las Huelgas sequence between two of the movements on his Machaut album.)
Back when I worked for the campus radio station at the Massachusetts Institute of Technology, I would occasionally encounter early music albums that included the adjective “gothic” in the title. However, the only form of gothic music that Wikipedia recognizes is gothic rock; and the adjective “gothic” never appears on the Wikipedia page for Renaissance music (the period during which Ashwell and Browne were active). Grove Music Online is a bit more productive. While there is no explicit entry for gothic music, searching for “gothic” turns up entries for music from both the middle of the fourteenth century and the fifteenth.
Schmelzer’s choice of title was inspired by John Ruskin’s writings about Gothic architecture and how it “liberated” construction from the constraints of Romanesque architecture, allowing for structures that were taller, lighter, and stronger. The final paragraph of Schmelzer’s essay for the accompanying booklet takes Ruskin’s thoughts to the next level:"According to John Ruskin the liberation of Gothic does not only concern lines, ribs and folds, freed from their submission to structure and turned into structure themselves, making structure and ornament indistinguishable. It concerned also the workers, not submitted to repetitive, mechanical work but investing in continuous and infinite variation. Should we not also include the singers of English polyphony here, for whom no contradiction existed between individual involvement and textural totality?".
The booklet page for the track listing describes the music of Ashwell and Browne as “florid polyphony.” It is through such a “florid” approach to embellishment that Schmelzer’s blurring of boundaries between structure and ornament is realized. It does not take the attentive listener long to be drawn into the richness that emerges when those boundaries are blurred. Such floridity is further reinforced by parallel richness encountered in the very sounds of the voices themselves. One might say that, in Schmelzer’s approach to performance, the beauty of the voices (bel canto?) themselves is as significant as the many aspects of florid execution that have been committed to marks on paper.
This recalled what struck me the most when listening to Schmelzer’s account of Machaut. In my Examiner.com article I speculated that performance of Machaut’s “text” (such as it was) “involved not only individually improvised embellishments but also improvised counterpoint, often leading to original harmonic progressions.” On this new album spontaneity of performance is probably not as extreme; but, if it is no longer occupied with the notes being sung, it can still take liberties with the coloring of the voices doing the singing.
Stephen Smoliar (The Rehearsal Studio, September 2018)

YTHE MAGNIFICENT ENTHUSIASM OF ENGLISH GOTHIC MUSIC
Bjorn Schmelzer brings his speculative musical-historical approach to English music of the late 15th and early 16th century, once again combined with the highest levels of both music and recording technology, and the result is stunning. The fine singers of the Belgian choir Graindelavoix completely won me over to this music, even though I had been immersed in the less ornate but still moving (and more or less contemporary) music from the Peterhouse Partbooks, as sung by Scott Metcalfe's Blue Heron.
One of Schmelzer's starting points is this short video by Paul Binski, Professor of the History of Medieval Art at Cambridge University, who discusses the amazing art and architecture, sadly defaced by iconoclasts during the Reformation, of Ely Cathedral's Lady Chapel.
Schmelzer finds in the splendour of the Lady Chapel and its impetus in Marian theology a parallel to the music of John Browne, who was born in 1480 but lived only until 1525; and Thomas Ashwell, who may have been nearly an exact contemporary, though it's possible he died as early as 1513. The "florid polyphony" of Browne and Ashwell has the same ebullient drive as the double-curved ogee arches of the Lady Chapel, and Schmelzer underlines this exuberance through his animated interpretation, which his expert choir handles with aplomb. This is what Pater meant when he said in The School of Giorgione (1873) that "All art constantly aspires towards the condition of music." Still, there's another level beyond the florid decorations, and John Ruskin touches on it in The Stones of Venice: There are however, far nobler interests mingling, in the Gothic heart, with the rude love of decorative accumulation: a magnificent enthusiasm, which feels as if it never could do enough to reach the fulness of its ideal ; an unselfishness of sacrifice, which would rather cast fruitless labour before the altar than stand idle in the market; and, finally, a profound sympathy with the fulness and wealth of the material universe, rising out of that Naturalism whose operation we have already endeavoured to define. In the end it is the spiritual nature of both Ely Cathedral and the music of Browne and Ashwell, a deep connection to the cult of Mary. Ruskin's "magnificent enthusiasm" is evident in this marvellous disc.
Dean Frey (Several Instruments Blogspot, August 2018)